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Duel Project –2LDK
(1.7.2004 – Cinema Quadrat)
2LDK – 2 Zimmer, Küche, Bad. Das ist der abgesteckte Raum, in dem der zweite Teil des Duel-Projekts stattfindet. Doch nicht nur der Handlungsort, auch die Zeit und der Kontext haben sich im Vergleich zum ersten Teil verändert. – Aus dem alten Tempel ist ein modernes Luxus-Apartement geworden, aus Mönch und Samurai hippe Schlampe und süßes Naivchen. Dieses ungleiche Paar teilt sich eine Wohnung. Aus unterschiedlichen Milieus stammend und von verschiedenen Motivationen getrieben, hat es beide nach Tokyo verschlagen. Doch beide verbindet das gleiche Ziel. Sie wollen beide die Hauptrolle in einer Filmproduktion ergattern, erhoffen sich dadurch endlich den großen Durchbruch. Doch sie wissen nur zu gut: Es kann nur eine geben…Dieses Szenario bildet eine fantastische Basis für die Ausgestaltung einer „sleazigen“ Männerfantasie, dem „Catfight“. Hysterisch kreischende, schöne Frauen, die fauchend übereinander herfallen. Da kommt Freude auf, wenn das schwache Geschlecht zur Furie wird und dem Ausspruch „mit den Waffen einer Frau“ eine ganz neue Bedeutung geben.
Dieses Thema, zuletzt in Kill Bill 2 zu bewundern, wird hier auf die Spitze getrieben. Was ganz allmählich mit kleinen Neckereien über den Inhalt des Kühlschranks oder die hygienischen Zustände im Badezimmer anfängt, verwandelt sich langsam in einen waschechten Kleinkrieg. Dabei beginnt alles so schön: Yukihiko Tsutsumi versetzt uns zusammen mit seinen Protagonisten in einen Dämmerzustand, wie kurz vor dem Einschlafen. Die Isolation der Wohnung und die zig Schlösser an der Türe suggerieren das trügerische Gefühl von Sicherheit. Und recht lange wird diese Fassade aufrechterhalten. Erst mit der Zeit fallen alle Maskeraden und Hemmungen. Und wenn die Wut an die Oberfläche kommt, müssen selbst Haartrockner und Feuerlöscher als Waffe herhalten.
Im Vergleich zum ersten Duel-Project-Teil „Aragami“ ist 2LDK wesentlich realistischer, „normaler“ und „präziser“. Das mag damit zusammenhängen, dass Tsutsumi die Geschichte im Hier und Jetzt ansiedelt, oder auch damit, dass sich der Film nicht allzu ernst nimmt. Die normale Alltagssituation wird völlig überspitzt dargestellt. Der Sarkasmus ist beherrschendes Element. Anfangs konzentriert sich der Regisseur auf die Darstellung der zwischenmenschlichen Beziehung der beiden Kontrahentinnen. Dabei schafft es Yukihiko Tsutsumi trotz der äußerst kurzen Lauflänge von 70 Minuten sowohl die Protagonisten emphatisch zu charakterisieren, als auch ihre Motivationen und Hintergründe auszuleuchten. Ruhige Gangart und Closeups sind in der ersten Hälfte vorherrschend: Die Damen werden anfangs als „Miss milky skin“ präsentiet, um sie am Ende umso mehr zu entstellen. Mit allerlei Haushaltsgeräten gehen die Beiden aufeinander los, was bisweilen äußerst brutal werden kann. Das tut schon beim Zusehen unheimlich weh… Exploitation at its best. Man sehnt sich regelrecht nach der (scheinheiligen) trauten Zweisamkeit, als beide noch schweigend ihre Milch schlürften.
2LDK ist eine tief-schwarze Komödie, die vom Gegensatz Humor – Gewalt lebt, und deren tiefere Message gerade mit der letzten Kamerafahrt sehr schön untermauert wird. Und mit dem Erlischen der Leinwand steht auch mein Sieger des Duel-Projekts fest: 2LDK
„Fahrenheit 451“ von Ray Bradbury zählt neben Orwell’s „1984“ und Huxley’s „Brave New World“ zu dem bekanntesten und imposantesten utopischen Roman des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Schriftsteller nehmen in diesen Werken mit schon fast beängstigender Klarheit, die heutige Beherrschung der westlichen Welt durch Medien, Drogen und Konformität vorweg.
Die Story ist genauso simpel, wie romantisch. Zwei Menschen, die füreinander bestimmt sind, und sich doch immer wieder aus den Augen verlieren. Sie laufen jeden Tag aneinander vorbei, doch ihre Blicke treffen sich nicht: Der eine dreht sich nach links, der andere nach rechts. Dabei sind sich die beiden Protagonisten in „Turn left, turn right“ in früher Kindheit bereits einmal begegnet. Doch hat das Schicksal die beiden damals wieder auseinander gerissen. Aber, wie wir alle wissen, trifft man sich immer zweimal im Leben....
Jim Jarmusch, der Aushänge-Independant-Filmer Hollywoods bringt nach „Ghost Dog“ und einem Beitrag zu „Ten Minutes Older“ einen neuen Film auf die Leinwand – und kehrt damit zurück zu seinen Wurzeln. - Eine Entwicklung, die sich schon in „Int. Trailer Night“ (der Episode in „Ten Minutes Older“) angedeutet hatte. Seine Figuren werden wieder passiver, dafür aber redseliger. In „Coffee und Cigarettes“ labern mehr oder minder große Berühmtheiten über eben diese Genussmittel.
Direkt, gnadenlos, aufzehrend. - Das ist Oldboy. Nach „Sympathy for Mr. Vengeance“ ist dies bereits der zweite Film des Koreaners Chan-wook Park, der sich mit dem Thema Rache auseinandersetzt. Im Vergleich zu Ersterem ist sein neustes Werk jedoch wesentlich intensiver. Stand ich den Figuren und der Geschichte in „Sympathy“ deutlich distanziert gegenüber, so ist dieser Abstand bei „Old Boy“ nicht mehr so ohne weiteres möglich. Der Film geht, trotz seiner überzogenen Geschichte und überzeichneten Charaktere nahe. Selbst jetzt noch bin ich, wenn ich an den Film denke, angespannt...
Satire, Groteske oder einfach nur Klamauk? „Pack den Tiger schnell am Schwanz“ ist ein verrückter 70er Jahre-Flick über die wunderlichen Gestalten und deren Triebe und Treiben in einem alten Familienschloss. Die verarmte Adelsfamilie will, um sich vor dem Ruin zu retten, das Anwesen in ein Hotel verwandeln. Für eine ausreichende Anzahl an zahlungswilligen Gästen soll dabei der Lover der Baronesse sorgen. An seiner Tankstelle sabotiert er die Vehikel der Reisenden und kutschiert sie zur rettenden, adligen Behausung. Doch der gute Mann schleppt nicht nur Touristen an, sondern eines Tages auch ein Haufen obskurer Gestalten. Als deren Identität ans Tageslicht kommt, bricht im Hotel Hektik und Chaos aus...
- Loving You (ep 1)
Eine absolute Premiere: Ich schaue eine TV-Serie. Ja richtig, so was wie GZSZ oder „Verbotene Leibe“, oder wie der ganze Kram sonst so heißt. Eigentlich schenke ich diesem Genre keine Beachtung, und erhasche nur selten einige Minuten des täglichen Herz-Schmerzes. Nämlich dann wenn ich beim zappen zufällig bei ARD oder RTL vorbeikomme. Der Grund, der mich dazu bewegt hat, nun doch eines dieser Fließband-Produkte zu konsumieren heißt 
Dass seit der ersten Folge über vier Monate vergangen sind, bis ich diese TV-Serie zu Ende gesehen habe, spricht für sich. Auch 16 Folgen später ist aus der Serie kein Tearjerker geworden – und auch kein cineastisches Meisterwerk. „Loving you“ ist und bleibt eine seichte, aufgeblasene Liebes-Schnulze, die einfach viel zu lang ist. Über 15 Stunden eine Geschichte erzählen, das kann nun mal nicht gut gehen. Denn letztendlich gibt die Story nicht so viel her. Bereits der Titel sagt alles, und schon der alte Abzählreim „Er/Sie liebt mich. Er/Sie liebt mich nicht“ fasst die Geschichte perfekt zusammen. – Und diese Zustände wechseln hier im Sekundentakt, bis in die Schlusseinstellung hinein (Diese Konsequenz im Inkonsequenten macht die Idee ja fast schon wieder sympathisch). Darüber hinaus hat das Werk zwar durchaus seine lichten Momente, teils traumhaft schöne Einstellungen und ganz nette Ideen, doch stehen diesen Pluspunkten mindest ebenso viele Negativaspekte gegenüber. Besonders negativ fällt hierbei immer wieder die stereotype Charakterzeichnung auf: Es ist schon faszinierend, wie man Personen mit der passenden Garderobe, Mimik und musikalischen Untermalung innerhalb von Sekunden ein bestimmtes Image aufdrücken kann. 
), von der auch obiges Zitat stammt, macht sie nur noch sympathischer... (.. und ich bin mir durchaus bewusst, dass ich bei ihr auf die stereotype Charakterzeichnung hereinfalle. Aber ich steh’ dazu ;-) Bleibt als Resümee festzuhalten: Selbst für einen „koreaophilen“ Asien-Liebhaber wie mich auf Dauer nur in geringen Dosen zu genießen, dürfte „Loving you“ für „Normalsterbliche“ wohl nur eine Zumutung sein. Ach ja: Koreanisch find ich immer noch geil...
Was ein Set-Design, was für eine grandiose Ausleuchtung... Ich bin hin und weg, von diesem grandiosen Giallo.
Diesen Film im Kino sehen zu dürfen ist etwas ganz besonderes, und zwar aus zweierlei Gründen. Zum einen ist dieser Film in diesem Jahr genau 100 (in Worten: einhundert) Jahre alt geworden, zum zweiten stammt er von dem Regisseur George Melies (1861-1938), dessen Einfluss auf die Filmkunst nicht zu unterschätzen ist. So ist er z.B. der Erfinder der sog. „Verschwundenen Jungfrau des Films“, also des „Stop-Action-Tricks“ oder des „Linked Tableau“. Bei der erstgenannten Montagetechnik, die auch in „Voyage a Travers L’Impossible“ Anwendung findet, wird die Kamera mitten in der Aufnahme angehalten, die Szenerie verändert, und schließlich weitergefilmt. Melies nutzte diese Technik dazu, um eine junge Frau in Sekunden altern zu lassen. Saß am Anfang eine bildhübsche, junge Frau auf einer Bank, befand sich an ihrer Stelle nach einer Explosion eine um vierzig Jahre gealterte (daher der Name). 
Hundert Jahre später nun hat sich das mittlerweile „alte Medium“ Film ebenfalls weiterentwickelt. Nach dem Schritt hin zu den bewegten Bildern, war die logische Konsequenz der Weg zum Digitalen. „Copy Shop“ setzt diesen Schritt (in)konsequent um: Rein formal besteht „Copy Shop“ aus fast 18.000 fotokopierten Digitalfilmkadern, die mit einem handelsüblichen Laserdrucker ausgedruckt, am Tricktisch animiert und in 35mm abgefilmt wurden. Doch nicht nur der Herstellungsprozess des Films wird von Kopien beherrscht. Auch in der, fast kafkaesk anmutenden Geschichte selbst geht es im Duplikate und den Verlust der Individualität. „Copy Shop" zeigt einen Protagonisten, der als Individuum um seine Originalität kämpft...
„Un chien andalou“ gilt als das Paradebeispiel des surrealen Films, und beinhaltet daneben den wohl berühmteste Prolog der Filmgeschichte: „Ein Mann (Bunuel) schärft des Nachts sein Rasiermesser. Er betrachtet durch die Fensterscheiben den Himmel und sieht... Eine leichte Wolke, die sich dem vollen Mond nähert. Dann der Kopf eines Mädchens mit weit aufgerissenen Augen. Eine Rasierklinge bewegt sich auf eines dieser Augen zu. Die leichte Wolke zieht jetzt am Mond vorüber. Die Rasierklinge fährt durch das Auge des Mädchens...“
The Punisher, Kill Bill, Old Boy. – Quer über alle Kontinente und quer durch alle Regisseur-Riegen erstreckt sich ein aktuell sehr beliebtes Thema: Das der Rache. Nun hat sich auch Hollywoods Videoclip-Filmer Tony Scott dem Stoff angenommen und mit „Man on Fire“ diesem Tableau ein weiteres Racheepos hinzugefügt.
Er ist eine der umstrittensten Persönlichkeiten der jüngsten amerikanischen Geschichte: Robert Strange McNamara. Von 1961 bis 1968 war er Verteidigungsminister unter John F. Kennedy und Lyndon B. Johnson. Während des Kalten Krieges war er eine Schlüsselfigur im Kampf gegen den Kommunismus – war federführend bei der Behandlung der Kuba-Krise. Bereits in jungen Jahren im Militär befasste er sich mit der Steigerung der Effektivität von US-Bombern. Später, für kurze Zeit als Manager von Ford und dann als Verteidigungsminister blieb er Planer und Technokrat.
Der Flughafen – Transit für tausende Menschen. Das Terminal an sich stellt nur einen Ort dar, an dem Menschen für gewöhnlich nicht lange verweilen. Gehetzt rennen sie von einem Gate zum anderen, kommen und gehen. Beständig ist in dieser „Zwischenwelt“ nur die Unruhe.
Manchmal genügt ein kleines Detail oder eine Melodie, um eine verblasste Erinnerung wieder zu beleben. So auch bei Jeab. Er hat sich von seiner Heimatstadt auf den Weg gemacht, um der Hochzeit seiner Jugendfreundin Noi-Naa beizuwohnen. Auf der Fahrt über die Landstraßen kramt er eine alte Kassette aus dem Handschuhfach, und aus den Boxen ertönt eine wundervolle Melodie und die Worte „Knock, Knock, who’s that knocking at my door....“
